최수앙 Xooang Choi


플루리버스: 내밀한 전도

Pluriverse: Innermost Inversions

2022. 12. 1. - 28






다중의 몸과 우주를 꿈꾸라

글: 박지형 


총체적 대상을 전도시키기, 마모시키기, 찢기, 끊어내기, 복제하기, 연결하기는 최근 최수앙의 작업에서 도드라지는 언어이다. 그는 인간 신체를 구성하는 무수한 요소들의 보편적 가치를 전복시키기 시작한다. 그의 손을 거친 피부와 근육, 기관 사이의 뼈, 그 사이를 타고 흐르는 혈관과 미세한 분자의 매커니즘은 정상의 틀에서 빠져나와 쪼개어진 비정형의 덩어리가 된다. 이들은 오롯히 탐구자의 주관적인 결정에 의해 새로운 몸체에 이식되거나 또다시 분해될 수 있게 되므로, 하이브리드적인 것으로서 존재의 방식을 달리한다. 그러나 동시에 이러한 신체 조직들의 외형 및 기능의 해체는 역으로 작가가 보다 즉흥적이고 비언어적인 상태로 조형 실험을 할 수 있는 환경을 조성해준다. 그리고 이것이 전시가 주목하는 지점이다. 복수의 우주를 뜻하는 《플루리버스(pluriverse)》는 그가 조형적인 의사 결정을 하는 데 있어 절대자의 위치에 있기를 내려놓고, 역으로 자신에게 큰 영향을 미치는 중간 매개 변수들의 역할을 작품 안으로 능동적으로 수용하는 과정에서 발견한 형태와 의미의 다층성을 살핀다. 


돌이켜보면 작가가 오랜 시간 빚어내던 사람의 형체는 과잉의 테제를 기반으로 했다. 이는 인간 현존의 위태로움과 긴장감, 혹은 사회를 마주하는 개인들의 억압된 상태를 드러내고자 하는 보다 서사적이고 재현적인 목소리를 반영하는 것이었다. 노동집약적으로 완결되는 개체들은 그가 예술을 인식하는 확신과 강박, 동시에 어떤 불안을 표상하는 듯 보이기도 했다. 이와는 달리 작가가 각 개체의 절대적 상태를 구현하는 일로부터 물러서서 자신의 손과 몸이 허용하는 범위의 리듬과 속도, 재료의 강도에 보다 집중할 때, 우리는 어떤 미지의 생명체로부터 추출된 편린들의 키메라적인 조합을 보게 된다. 일시적으로 정지한 상태의 잠재태들은 움직임을 향한 욕망을 반영하는 듯하다. 또한 작가 역시 다루는 대상의 기질 (재료의 무게, 탄성, 질감 등)에 영향을 받게 되므로 애초에 설정한 최종 결괏값이 조정 또는 변형될 확률은 필시 증가한다. 우연성과 즉흥성을 끌어안으려는 시도는 관객들에게 복수적 관계의 가능성을 열어줌과 동시에 작가에게는 내재된 단단한 습성과 편견을 떨쳐내고 보다 가벼운 손과 머리, 몸의 감각을 증진시키도록 한다. 


현실의 해부학 지식에 의거하면 작가가 선택한 기관들의 짜임은 오류로 가득 찬 것임에 틀림없다. 특히 몇몇 작품은 노골적으로 각 부분의 접합 부위를 지탱하는 보철 장치를 드러내고 있어, 이 접속들이 얼마나 임의로 이루어진 것인지 가늠할 수 있다. 그러나 디지털 환경에서 글리치가 허상이 아닌 실질인 것처럼, 그가 생산한 돌연변이 파편들은 눈앞에 실재하는 것이다. 기존의 명징한 위치를 잃은 조각들은 실제 3차원의 시공 안에서 그와 실질적인 관계를 형성하며 조금씩 그 외연을 변형, 증식, 확대시킨다. 말하자면 그가 수행하는 조작의 목적은 어떠한 단일한 메세지나 완결된 기념비적 지점을 향해가기보다 매끈한 형상(혹은 정보)의 외연을 반복해서 구부려 얻게 되는 변종들을 연접하고 그들에게 현재적 역할을 부여하는 데 있다.


예술적 대상을 생산하는 데 스스로에게 부여했던 엄격한 규칙이 해제됨에 따라 그 아래 억압되어 있던 에너지는 여러 방향과 층위로 분출된다. 그리고 이는 무조건적인 무질서의 상태로 방치되기보다 이전과는 다른 조형 요소들의 운동성을 가늠하는 방식으로 이합집산한다. <Assemblage P1>이나 <Assemblage H1>에서는 흩어져 있던 입자들이 하나의 구체적인 형태로 수렴되어 완결되는 듯하지만, 전시장의 가장 마지막 방에 놓인 <Blueprint>는 어떤 결합도 진행되지 않은 상태 그대로를 가감 없이 보여준다. <Untitled>는 온전한 하나의 형태를 가늠하기 어려울 정도로 임의로 절단되어 공간의 이곳저곳에 놓인다. 또한 드로잉이 담고 있는 응시의 다양한 시점 이동이 암시하듯, 각 작품은 이를 바라보는 각도나 위치에 따라 상이한 외곽선과 균형감을 갖는다. 따라서 관객은 어떠한 선제적인 제약 없이 위치를 이동하며 각 대상과 그것이 점유하는 빈 공간 사이의 운율을 감각하며, 주어진 조각들에 자의적인 규칙을 대입하여 볼 수도 있다.


세계는 공고한 확실성과 필연적 논리 위에 근거하는 것이 아니라 만들어졌다 부서지기를 반복하는 시행착오의 국면들을 통해 현현하는 것이다. 신체에 관한 통합과 안정 상태를 유보한 인식의 확장은 그의 문법 전반에 질적인 변화를 예고한다. 이제 그는 인간을 둘러싸고 있는 무수한 생명체와 우주 사이를 연결하는 노드를 추적하며 이로부터 채집한 이미지들을 중첩시키고, 나열하고, 변형하는 실천들을 이어가고자 한다. 각기 다른 순간에 채택한 궤도에 따라 군집하는 복수의 존재들을 끌어안으려는 낯선 여정은 결국 하나의 명징한 종착점에 도착하지 못할지 모른다. 대신 이는 우리 주변을 공전하는 감각의 선명한 실체들로 오랫동안 남고자 한다. 이 실체들이 여리고 작은 인간의 몸이라는 울타리를 넘어 사회 전체에 팽배한 고정관념을 전복시키고 유연한 인식의 틀을 견인하기 위한 동력이 될 수 있기를 소망해 본다.



Yearning for Multiple Bodies and Universes

Jihyung Park 


Knocking over, wearing down, tearing, splitting, duplicating, and connecting a collection of subjects are approaches that stand out in Xooang Choi’s recent works. Choi begins to subvert the general values in myriad elements that make up the human body. The skin and muscle, bones in between organs, veins flowing among those parts, and the mechanism of microscopic molecules break away from the framework of “normal” and become fragmented lumps through Choi’s hands. These lumps, as they can be transplanted onto new bodies or taken apart solely based on the conductor’s subjective judgment, are hybrids existing in varying states. At the same time, however, the deconstruction of the form and function of these body parts grants the artist an environment in which he can practice formal experiments in more intuitive and nonlexical ways. Such is the focal point of this exhibition. The exhibition Pluriverse, whose title combines the words “plural” and “universe,” probes the plurality of form and concept discovered by the artist in the process of renouncing his role as the absolute judge of formal decisions and, conversely, accepting and applying the effects of certain indeterminate elements to his art.


Looking back, the artist’s long-term sculptural subject, the figure, was based on a philosophy of excess. This tendency reflected a more narrativistic and representational approach to capturing the human precariousness and tension or the oppression individuals face in society. Each labor-intensive figurative creation seemed to represent the artist’s conviction and obsession, as well as a type of anxiety, toward his understanding of art. Contrarily, when the artist stepped away from perfecting the absolute form of each figure and focused more on the rhythm and speed physically feasible, as well as the tactility of each material, were birthed chimeric creations―mixtures of fragments extracted from unknown living sources. In these new creations, the dormant, temporarily stabilized forms seem to embody a desire for dynamic movement. In addition, as the artist is influenced by the temperament of his work (the material’s weight, flexibility, texture), the likeliness of the result diverging from the initial expectation inevitably increases. Eventually, the artist’s attempt to embrace chance and spontaneity allows the audience to form varied relationships with the work and, on the other hand, helps the artist break away from solidified habits and acquired biases as he works with lighter hands, a refreshed mind, and heightened bodily senses.


Realistically speaking, the artist’s organ arrangements are undoubtedly full of anatomical errors. Some of the works explicitly reveal the prosthetic materials in the joints between different parts, which hint at the arbitrariness of the compositions. However, like glitches are real not imaginary within the digital setting, the artist’s mutant fragments have actual presences in this world. The fragments devoid of their extant, distinct positions, exist in the three-dimensional world and form palpable relationships with the artist, gradually transforming, proliferating, and expanding their boundaries. In other words, the purpose of the artist’s operation is not to deliver a single message or achieve a monumental completion but to tamper with the definition of perfect form (or information), conjoin the resulting mutants, and give them new functions.


Once the artist’s strict, self-imposed rules for artistic production are lifted, the suppressed energy is released in many directions and levels. This does not mean that the energy remains in a state of absolute disorder. Rather, it reorganizes in a way that reflects the movements of other formal elements. While in Assemblage P1 and Assemblage H1, the scattered particles seem to converge into a complete and concrete form, Blueprint, installed in the last room, bluntly displays the state before any convergence happens. On the other hand, Untitled is haphazardly cut up, to a point impossible to imagine its whole, and scattered around the space. Moreover, as suggested by the various changing perspectives in the drawings, each piece displays different silhouettes and balances depending on the angle or position. Therefore, the viewer can roam between the sculptures free of any precursory instructions, feel the tempo of each sculpture and the air around them, and even introduce their own rules to them.


The world is not built on impenetrable certainty and inescapable logic but manifests itself on endless trial and error, cycling through wreckage and restoration. The expansion of the artist’s perspective, and his retreat from integrating, completing, and stabilizing bodies, alludes to a qualitative change in his artistic language at large. Today, he endeavors to continue searching for connecting “nodes” between the universe and countless life forms surrounding humans and further his practice of overlapping, arranging, and transforming images collected from them. His new journey towards embracing various beings who operate on different trajectories might not reach a clear destination or end. However, these beings will abide, orbiting around us as tangible existences. One hopes that these entities will overcome the limitations of the small and fragile human body―that they will incite the overturn of prevalent social stereotypes and give rise to a more flexible way of perceiving reality.